Una sola serata per presentare i propri progetti e poco meno di 7 minuti per 20 slide. L’idea nasce a Tokio nel 2003 e coinvolge 430 città in tutto il mondo. La prima città italiana ad ospitare l’evento è stata Udine, ora è il turno della città sarda che l’11 febbraio diverrà il luogo di incontro per tutti i creativi italiani che abbiano voglia di condividere le proprie idee con il pubblico.

È possibile partecipare inviando 5 slide di presentazione entro il 18 Gennaio; lo staff del PKN di Cagliari selezionerà i migliori progetti che varranno presentati nella serata di febbraio.

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LEGAMI

Sono queste le opere vincitrici della terza edizione della Biennale d’Arte degli Studenti Europei. Ai giovani, che hanno vinto anche premi in denaro, è stata consegnata una medaglia della Presidenza della Repubblica. La cerimonia si è svolta nella sala di Santa Marta a Piazza del Collegio Romano, a Roma. La Biennale, che rappresenta l’appuntamento più atteso per gli studenti europei che hanno scelto di puntare sull’arte e sulla creatività, ha visto quest’anno la partecipazione di numerose scuole da tutta Europa. Le opere valutate sono state circa 80, quelle selezionate una trentina, tutte esposte, dal 17 al 21 dicembre alla Sala Santa Marta di Piazza del Collegio Romano.

LEGAMI è un video realizzato attraverso un montaggio di fotografie, elaborate graficamente, basato sulla tecnica del “passo uno”, che consiste nel montaggio di fotogrammi che se riprodotti creano l’effetto di movimento filmato. La musica è stata creata appositamente per mantenere il ritmo e per trasmettere il senso gioioso del video.
TRAVELLING ART, è il Flipbooks realizzato da 46 allievi della materia “Fundamentos de la Animación” che hanno fatto un’analisi delle foto esposte nella mostra internazionale di Fotografie realizzate con il cellulare. Il progetto Travelling Art lascia vuole mostrare il movimento incessante che si percepisce tra le linee della metro o degli autobus. Una comunicazione di un viaggio che è sia interiore sia esteriore.
Un lavoro che vuole creare una linea di comunicazione artistica multiculturale, dove il dialogo visuale tra i pittori, fotografici, scultori, disegnatori, ecc. di diversi paesi costruisce le base d’interscambio culturale.
TALPACA è un tappeto modulare per grandi e piccini, può variare di dimensione piegandolo e arrotolandolo, da letto si trasforma in cuscino e in tappeto gioco per bambini. Le misure possono variare dagli 80×80 come cuscino o tappeto gioco a 183×123x38 come letto. Anche i colori possono variare in relazione al gusto personale. Il feltro è il materiale predominante del prodotto. E’ stato scelto sia per un fattore estetico sia per motivi pratici. Esso infatti permette l’isolamento termico dal suolo, è morbido, confortevole al tatto e piacevole alla vista.
CONGEGNO DI CONOSCENZA, è una rete in ferro e pietre naturali di dimensioni variabili.

Gli altri vincitori sono stati: Categoria “Arti figurative“: IL FILO ROSSO – installazione pittorica realizzata da Stefania Del Grande della Scuola d’Arte Ornamentale del Comune di Roma; Categoria    ”Fil- Art“:    T O Y S -   incisione realizzata    da    Enrica    Scimone    Carbone,    dell’ Accademia Linguistica di Belle Arti di Genova; Categoria “Design“: UN FILO DI ECOLOGIA IN PIU‘ – una scultura di tecnica mista realizzata da un gruppo di studenti del Liceo Artistico “Alpino Magnini” di Deruta (PG)

Il progetto della Biennale è realizzato dall’Associazione Enigma

Con il sostegno della Provincia di Roma

Con il patrocinio della Presidenza della Repubblica e del Ministero per i Beni e le Attività Culturali

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Una casa in ristrutturazione
Un sentiero tra il bouganville
Due rampe di scale
Una porta
Una finestra
DUE STANZE
Due luoghi della memoria
Due percorsi visivi.

Questa la presentazione della mostra fotografica di DUE STANZE che Giovedì 22 Dicembre, dalle 18.30, ospiterà “in una tipica ed evocativa location certosina” Parole non ancora lette reding di pezzi inediti di Alessandra Amitrano. Un’evento unico e particolarmente suggestivo in cui sarà possibile ammirare solo per poco (dalle 14 alle 2o di domenica)  Diario d’Autunno di Alessandro Ciccarelli e Carnival Motel di Francesco Viscuso

L’evento si inserisce nella seconda Fase di Occhi Rossi Festival.

Per info cliccate qui.

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1. Arti figurative (pittura, scultura, incisione, video-art, fotografia, arte in movimento, land-art, performance);

3. Design (design, industrial design, visual design, architettura);

2. Fil-art – ossia quella forma d’arte che prevede l’uso combinato delle diverse fibre sotto l’impulso della creatività e dell’innovazione – (moda e textile -design).
Grande spazio dunque alla creatività, alla sperimentazione ma anche all’artigianato, alle forme manuali di espressione, al “fare” arte. La Biennale, infatti, propone quest’anno quale tema di riflessione: “Il Filo dell’arte per l’innovazione“. Un “filo” che è un legame, una trama, un elemento che unisce le cose, che cuce insieme le persone, i mondi, le culture, le tradizioni.
Ma un “filo” che è anche simbolo di trama, azione, operatività, manualità. Attraverso questo progetto la Commissione Europea, che lo promuove, punta alla cooperazione e allo scambio di esperienze tra le Scuole d’Arte d’Europa. Ma punta anche all’inserimento dei giovani nel mondo lavorativo. Per gli artisti selezionati saranno, infatti, attivati stage di formazione presso Istituti e aziende dei vari settori delle categorie di concorso.
Protagonisti della manifestazione gli studenti-artisti provenienti da tutte le scuole europee nonché i loro professori. Le opere selezionate dal Comitato di valutazione saranno esposte fino al 21 dicembre, giorno in cui saranno consegnati gli attestati di partecipazione e i premi ai vincitori, e la Medaglia della Presidenza della Repubblica,  presso la Sala Convegni Santa Marta – Ex chiesa Santa Marta.

Il progetto è realizzato dall’Associazione Enigma con il patrocinio della Presidenza della Repubblica e del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.

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Il premio è diviso in tre sezioni: pittura, fotografia/digital art, videoinstallazioni. Ogni artista può partecipare con una sola opera, di recente produzione inviando il materiale richiesto tramite il form online oppure via posta. Tutte le candidature saranno valutate da una giuria di esperti e verranno selezionati 150 finalisti, 50 per ogni categoria, i cui lavori saranno esposti in gallerie e spazi espositivi nelle varie tappe del Donkeyprize a Milano, Londra, New York, Shangaii e San Paolo. Per ogni categoria è previsto un premio di 5000 euro.

Ogni artista in gara, inoltre, parteciperà al T-Shirt Design Contest in cui le migliori immagini verranno scelte per essere stampate sulle magliette distribuite durante gli eventi organizzati dall’associazione.

Per partecipare c’è tempo fino al 15/02.

Per tutte le infomazioni visitare il sito di Blindonkey.  Clicca qui

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Fino a metà dicembre chi si troverà a Roma potrà gustare un’insolata mostra forografica stando comodamente seduto sul sedile di un TAXI. L’iniziativa TaxiGallery, promossa da OcchiRossi On board, ha come scopo uscire, nel vero senso della parola, dal solito circuito delle mostre portando l’arte fuori dai canoni classici. In questa session sarà possibile ammirare i lavori di numerosi fotografi. Ecco le mostre presenti in circolazione ora.

Casa Senegal di Alessandro Ciccarelli – sul taxi GEDDA 31 all’interno dell’album “CAMERA CON VISTA”

Carnival Motel di Francesco Viscuso – sul taxi ATLANTA 7 all’interno dell’album “PAURA DEL BUIO

Street watching di Marcho Gronge – sul taxi SIDNEY 21 all’interno dell’album “SENTIERI URBANI”

I muri parlano di Paola Longo – sul taxi SIDNEY 21 all’interno dell’album “SENTIERI URBANI”

Gente metropolitana di Giuliano Del Gatto – sul taxi BERLINO 33 all’interno dell’album “TRAIETTORIE UMANE”

Stay tuned per le prossime iniziative di TaxiGallery!

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1. Chi è Roberta Durante? Dove e quando è nata? E dove si trova ora?

Roberta Durante è una di quelle coi capelli lunghi marroni e gli occhi marroni. Sono nata a Treviso nel 1989 e vivo a Venezia da due anni.

2. Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinata all’arte in generale e al genere che pratichi in particolare?

Ho studiato al liceo classico ma devo ancora formarmi del tutto mi sa, ecco. Non ricordo benissimo come mi sono avvicinata all’arte, d’altra parte non è neanche un casello autostradale. Mi ricordo che da piccola disegnavo come una scema ma poi ho scoperto che tutti i bambini disegnano come degli scemi. E’ sicuramente retorico da dire ma l’arte ce l’hanno un po’ tutti, non è certo un’esclusiva, c’è chi se la tiene nel taschino dei jeans e chi la tira fuori. Io ogni tanto la tiro fuori ma mi capita anche di sedermici sopra e poi quando là sotto inizia a dare fastidio bisogna cambiarla di posto. E’ un po’ una questione di scorci, a volte si vede bene a volte si vede male, a volte te la mostrano meglio di quanto non sia, altre volte devi spostare gli attrezzi da davanti per vederla bene; per restare poi nella culla della retorica mi immagino anche che si tratti di sensibilità. C’è chi ce l’ha per tagliare dritte le siepi e chi per immortalare nature che poi diventano morte. Io in genere preferisco il dono dei primi, almeno mi fanno vedere di là. Le animazioni e i video che faccio nascono appunto da una semplice voglia di far camminare delle immagini su un pensiero nascente e su delle musiche già nate, con il presupposto che tutte queste cose insieme rendano possibile niente di meno che una piccola “sospensione del giudizio”.

3. Quali sono le tue fonti di ispirazione?

Mi ispiro molto a quello che leggo, ma non lo faccio apposta e soprattutto non escludo quasi nulla, le confezioni di shampoo che parlano in prima persona possono riserbare migliori sorprese rispetto ai Cattivi Pensieri di Paul Valèry per esempio. Non è vero. Ma quasi. Intendo dire che è tutta una questione di taglia e cuci di immagini e suoni e parole che insieme fanno un buon cartoccio di fritto misto, se ora però facessi dell’autoanalisi mi semplificherei inutilmente e il microscopio renderebbe irriconoscibile quello che ho messo sul portaoggetti. Mi piace molto la poesia, ne leggo e ci scrivo ma vorrei saperne molto di più per poterne anche dire. Purtroppo ogni tanto mi imbambolo davanti a un qualche esercizio di verbo di Tartaglia o a una qualche scrittina di Salvo Basso e mi dimentico del malloppo delle cose che ancora non so. In molto breve e sempre un po’ retorico -come mondo vuole, mi arricchisce chi mi fa vedere in modo completamente diverso ciò che vedo quotidianamente.

4. Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue opere?

Sono impreparatissima. Quelli che la sanno lunga dicono che con le etichette delle bottiglie non ci si ubriaca né ci si disseta quindi preferisco e suggerisco di bere e basta. Il buffo è che cerchiamo le emozioni e se no le costruiamo, desideriamo perdere la testa e farla perdere, sconvolgere ed essere sconvolti e tuttavia, qua e là, c’è effettivamente la necessità fisiologica di perdere la testa, di formare immagini fantasiose, quindi in qualche modo, spero anche io di fornirne qualcuna e chi la intuisce è solo uno che ha fortuna nel gioco delle associazioni; ci sono molti richiami ad altre cose nei miei video, se uno se ne accorge magari trova anche un senso ma te lo dice pure Vasco Rossi che non ha senso -e non è neanche uno che mi fa perdere la testa, ecco. Penso piuttosto a quello che vorrei sentire io dalle opere degli altri. Il dito di uno sconosciuto nel naso può essere un’idea più o meno chiara. Dev’esserci in qualche modo una botta, poi via, oppure ci si riflette. Ecco, vorrei che funzionasse così ma non so se ho premuto il bottone giusto.

5. Descrivi il tuo lavoro

Sono brevi video. Principalmente animazioni a passo uno, alcune disegnate a mano altre sono collage montati con photoshop. I disegni sono imprecisi ma per fortuna dura tutto molto poco. Mi piace riciclare ciò che vedo, secondo quel mio pensiero per cui “ART is Any Recycled Tale” quindi tante volte uso anche disegni non miei e video d’archivio. Il tutto si risolve in disaggregazione dei dati, in combinazioni nuove che producono piccole novità che esistono da sempre.

6. Quanto tempo impieghi per progettare e realizzare un’opera?

Vorrei tanto che fosse tutto parte di un unico progetto quindi devo ancora finire.

(Suona bene?)

7. Nelle tue opere, soprattutto nelle animazioni, i protagonisti sono sempre gli stessi; in particolare, anche se a volte, in modi e forme diverse, ritorna l’orso di peluche…cosa rappresenta per te?

L’esorcista. Davvero. Mi piacerebbe parlare di “cose meno sciocche” -per non dire serie, facendo finta che non sia così. Gli orsetti poi hanno tutti lo stesso sorriso, retto un po’ su dalle cuciture, il giusto mezzo tra l’incanto e il disincanto. Poi mi piace molto mettere a confronto l’uomo con l’animale, non so ancora esattamente dove andrò a finire ma secondo me c’è qualcosa da capire e vorrei capire cos’è. L’ometto fa le maschere, fa i cavalli a dondolo, fa l’uomo-tigre, fa i peluches, fa il cane e il porco.. qualcosa vorrà dire. Magari è una cosa seria. E poi insomma l’orsetto è caruccio dai.

8. Le tematiche che riporti nei tuoi lavori fanno parte della vita quotidiana che ognuno di noi deve affrontare ogni giorno, la solitudine, la relazione con il gruppo, le “cose da fare”, etc…: esponendo ognuna di esse metti sempre un po’ di ironia e leggerezza. Qual è il consiglio che daresti al tuo spettatore? come dovrebbe approcciarsi alle tue opere vedendole per la prima volta?

In parte ho già risposto. Credo comunque che bisognerebbe raccontare tutto senza sorvolare né impantanarsi e senza fare la distinzione che ho appena fatto tra cose serie e non serie. Penso che chi ascolta (e vede) dovrebbe cogliere ogni racconto allo stesso modo, infondo non dico nulla di nuovo, chi lo capisce magari si annoia e per questo ci sono le musichette e qualche effetto più o meno speciale a distrarlo, chi non capisce cosa dico sia benedetto perchè vuol dire che ho un po’ ragione, fruisca quindi del lavoro nel modo che gli pare (i colori possono essere un buono spunto).

9. Ritieni che sia dato sufficiente spazio agli artisti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dall’arte ufficiale?

Gli artisti, per quanto il nome mi suoni un po’ bigio, esondano gli argini di quei canali. La mia attuale e ancora ingenua visione della questione mi fa vedere veramente le cose per quello che sono e mi sembra che le istituzioni bastino sì ma a far capire che non servono. Gli enti, le associazioni e quegli affari là, sono cose grandi e brutte messe davanti a cose piccole e belle, come il meno e il più in matematica, vince sempre il meno anche se quasi tutti tifiamo per il più. Mi è capitato recentemente di fare una piccola intervista relativa ad un progetto video che ho svolto all’interno di un laboratorio all’università. Mi hanno fatto un po’ di domande, il tutto durava tre minuti circa e ho risposto pensando di essere meno sciocca, simpatica e se mi lasciate passare il termine dico pure costruttiva. La triste storia finisce così: quella sera, al telegiornale, passano cinque secondi della mia intervista, cinque secondi in cui riesco a dire il nome dell’Università. Ecco tutto. I limiti dell’arte ufficiale invece si potrebbero superare eliminando i galleristi ad esempio.

10. Quali sono i tuoi prossimi progetti?

Ho scoperto la strada dei tv-carnage. Sto lavorando a dei videoclip musicali e tento di pubblicare un libretto di poesie. Vorrei coinvolgere altre persone o essere coinvolta in progetti di altri. Non parlo solo di video, basta che sia una di quelle cose piccole e belle.

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Chi è Luisa Montalo? Dove e quando è nata? E dove si trova ora?

Sono Nata casualmente a Cagliari il 14/04/1974 ,ma vivo a Roma, anche se poco stabilmente da oltre 12 anni, mi considero decisamente romana.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinata all’arte in generale e al genere che pratichi in particolare?

Mi sono laureata a “La Sapienza” di Roma in scienze umanistiche, la passione per il disegno ce l’ho da sempre, si è naturalmente trasformata in passione per l’arte, ogni espressione artistica mi ha appassionata, ma la cultura Giapponese e la sua interpretazione del Pop dal momento in cui l’ho incontrata non mi ha mai lasciata. Come artista sono un’autodidatta, credo questo mi abbia dato una certa libertà nell’uso delle tecniche.

Quali sono le tue fonti di ispirazione?

Nonostante mi impegni a visitare quanti più musei, mostre e manifestazioni artistiche possibile, la mia ispirazione può essere tanto una bella stampa trovata per caso in un mercatino, l’intuizione di un artista affermato, un blog quanto una rivista o un libro. Non so mai da dove possa arrivare. Mi piace moltissimo lasciarmi stupire.

Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue opere?

Mi piacerebbe che arrivasse un sentimentale senso di leggerezza. Credo che nella vita e nell’arte in generale, troppo spesso, ci si prende troppo sul serio, a discapito della spontaneità e dell’autenticità.

Descrivi il tuo lavoro.

E’ sicuramente molto istintivo e molto legato alla mia vita privata. Nonostante il soggetto non sia descrittivo di eventi autobiografici, in me c’è sempre l’intento di comunicare una sensazione legata ad un determinato momento.

Quanto tempo impieghi per progettare e realizzare un’opera?

La fase di progettazione, cioé la ricerca del soggetto, può impegnarmi per un mese come un giorno, ma cerco di figurarmi nella mente il quadro nel dettaglio prima di metterlo su tela. La realizzazione invece è relativamente più veloce, l’acrilico è un media veloce, ma se lavoro ad olio possono volerci alcuni mesi, certo molto dipende anche delle dimensioni della tela.

Sembra, soprattutto nei tuoi lavori ad olio, che tu sia attratta dal mondo giapponese…da cosa nasce questa passione?

E’ una passione inspiegabile temo, fin da piccola l’oriente ha alimentato in me uno speciale fascino, forse anche perché in quegli anni la TV ci bombardava di prodotti giapponesi. In seguito, studiandone filosofia ed estetica ho sentito che nel mio modo di esprimere, il pop giapponese, delizioso, audace, leggero ed insieme crudele, era quanto di più vicino al mio modo di vivere la pittura e la figurazione.

Illustrazione e pittura sono due facce della stessa Luisa…hanno per te lo stesso peso o una prevarica l’altra?

Non parlerei di prevaricazione, piuttosto di ruoli, l’illustrazione ha un fine prettamente commerciale pertanto mi permette meno libertà espressiva, nella pittura invece cerco meno di compiacere e più di compiacermi.

Protagoniste delle tue opere sono spesso giovani ragazzine smaliziate e un po’ ciniche…quanto ti assomigliano?

Spero molto, mi piace pensare che in fondo siano differenti espressioni di me stessa. Una sorta di azzardati autoritratti.

Ritieni che sia dato sufficiente spazio agli artisti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dall’arte ufficiale?

Credo sia un discorso piuttosto complesso da sviscerare in poche righe. L’arte è da sempre un meccanismo mosso da una serie differente di meccanismi, alcuni più nobili altri meno. Conosco artisti bravissimi che non riescono ad esporre ed artisti mediocri che hanno un successo straordinario. E’ difficile per un artista presentare un lavoro convincente, ma sono abbastanza sicura che talento, autenticità e determinazione possano spalancare la maggior parte delle porte.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

Sto realizzando una serie di opere ad olio con soggetti e tecnica piuttosto differenti dai miei precedenti, con i quali parteciperò il prossimo anno ad una mostra collettiva a Roma presso la Mondo Bizzarro Gallery. Con la serie delle Geishe invece (quadri soprattutto in acrilico), preparo una mostra personale presso la Biondetta Art Gallery in Madrid.

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Seguite la nostra intervista per scoprire questa artista.

Chi è Beatrice Alegiani? Dove e quando è nata? E dove si trova ora?

Sono nata il 28 dicembre del 1972 a Roma, dove tuttora vivo e lavoro.

Qual’ è stata la tua formazione e come ti sei avvicinata all’arte in generale e al genere che pratichi in particolare?

Mia madre è sempre stata una grande appassionata di arte e sin da piccola mi portava in giro per mostre e musei. Mi sono laureata in Architettura, una facoltà che mi ha dato tanto ma che non corrispondeva in toto alle mie aspirazioni. Così nel 2005 ho bussato alla porta di un artista romano che stimavo molto, Danilo Bucchi, e sono stata sua assistente per diversi anni seguendo contemporaneamente corsi di pittura in Italia e all’estero.

Quali sono le tue fonti di ispirazione?

Anche dettagli o situazioni apparentemente banali possono essere fonte di ispirazione. Anni fa studiando Adolf Loos mi colpì molto come lui si fosse ispirato alla griglia di un tombino per disegnare il ritmo delle bucature della facciata di un suo edificio. Non ho mai dimenticato questa sua attenzione per le piccole cose. Chi è che si ferma oggigiorno ad osservare un tombino???? Credo che l’arte nasca dall’attenzione, l’attenzione al particolare. “Osserva tutto quello che ti circonda con gli occhi curiosi di un bambino”, mi ripeto sempre. Quindi anche una passeggiata per negozi, vedere un film o un videoclip, sfogliare una rivista, possono far parte del mio lavoro. Ovviamente seguo con interesse anche il percorso di artisti, non solo pittori, sia del presente che del passato.

Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue opere?

Mi piace riflettere giocando. Vorrei quindi che anche le mie bambole facessero sorridere, divertire, e poi però anche pensare. Si può parlare di cose serie senza essere pesanti. E usare un po’d’ironia in certi casi è di grande aiuto. E’ come quando spieghi un concetto importante ad un bambino e lo fai con parole semplici. A me le cose rimangono molto di più dentro se recepite in questo modo.

Descrivi il tuo lavoro.

Dipingo ad olio. Il mio profondo legame con l’oriente sviluppatosi attraverso studi e viaggi mi ha portata, da un anno a questa parte, a dipingere bambole kokeshi, le tipiche bambole giapponesi prive di arti, con il corpo cilindrico e la testa a sfera. Le animo dando loro volti occidentali; alcune sono autoritratti, altre hanno il volto di amiche e conoscenti. E così facendo le personalizzo, dono loro un’identità, le rendo diverse l’una dall’altra sottraendole all’anonimato dell’oggetto seriale.  Sono bambole graziose, tenere, fanciullesche, maliziose ma allo stesso tempo vulnerabili. Le colloco volutamente su sfondo bianco, poste fuori da ogni contesto, proprio per voler esasperare quel vuoto in cui vive oggi l’identità della persona. Nei lavori più recenti ho sentito il bisogno di rendere ancora più evidente questa umanizzazione inserendo anche le braccia, come a voler suggerire delle possibili azioni. Quest’aspetto è una sorta di rivisitazione di quegli elementi realistici che erano propri dei miei primi lavori.

Quanto tempo impieghi per progettare e realizzare un’opera?

Nel dipingere, e quindi nella realizzazione pratica del quadro, sono abbastanza veloce, considerando anche i tempi lunghi della pittura ad olio. E’ nell’elaborazione dell’idea invece che impiego più tempo. Passo giornate intere a fare ricerche iconografiche su internet, o a sfogliare riviste o in giro per passeggiate ri-creative. Poi abbandono il tutto per un po’ dedicandomi completamente ad altro. Passato qualche giorno ritorno sulle mie elaborazioni ed ecco che l’idea nasce. All’inizio facevo fatica a convivere con questo mio lungo periodo di incubazione dell’idea perché avevo la sensazione come di perdere tempo. Ora so invece che questo tempo è parte integrante del mio processo creativo e ho imparato a viverlo più serenamente.

Cosa ha suscitato il tuo interesse verso il mondo delle bambole?

Come tutte le bambine adoravo le bambole. Ne avevo di diversi tipi e di diverse etnie. Poi crescendo ho continuato ad ammirarle, sia per la loro bellezza che per quel senso di inquietudine che mi danno, per il loro essere a metà tra l’essere umano e l’oggetto seriale. Credo che riflettano lo spirito della loro epoca e dunque siano utile strumento di conoscenza.

Spesso è stato associato il concetto di bellezza alle bambole con una accezione negativa…le tue, però, risultano prive di impersonalità seriale tipica di un prodotto commerciale e, con un pizzico di ironia, sembrano ribellarsi ai comuni standard…c’è un messaggio particolare che vuoi trasmettere?

Come ho già detto il messaggio è proprio questo. Oggi più che mai, minacciati come siamo da una massificazione che tende a neutralizzare la nostra soggettività, è diventata di fondamentale importanza la ricerca della propria identità.

Ritieni che sia dato sufficiente spazio agli artisti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dall’arte ufficiale?

Ho la sensazione che di spazio nei canali istituzionali per i giovani artisti ce ne sia molto poco, quanto meno in Italia. Malgrado ciò penso ci siano comunque molte più possibilità rispetto al passato per chi vuole proporre i propri lavori e farsi notare. Uno strumento come internet è oggi essenziale per raggiungere quante più persone possano essere interessate al lavoro di un artista. L’arte oggi non è più confinata rigidamente all’interno di gallerie o musei, ma si dilata trovando canali complementari. Alcuni degli eventi artistici più emozionanti a cui ho assistito recentemente hanno avuto luogo in spazi inusuali quali zone di passaggio e aree urbane periferiche.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

A breve una mia personale alla GFVart Gallery di Valenza, la galleria che sta seguendo attualmente i miei lavori. E poi un viaggio in Cina e Giappone per continuare a seguire le nuove realtà artistiche asiatiche che stanno diventando sempre più protagoniste nel mondo dell’arte.

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